Pontos / Dots

Forrest Loder

Desde seu surgimento, no início do século XIX, a fotografia transformou drasticamente a maneira como vemos arte. Por exemplo, praticamente todos nós temos familiaridade com o Davi de Michelangelo, embora poucos de nós tenham tido a oportunidade de ver a obra pessoalmente. Em sua maior parte, nossas impressões se baseiam em fotografias. Crescemos acostumados a ver originais por meio de reproduções.

A partir do próximo domingo (1.^o de agosto), o Museu de Arte Moderna de Nova York exibirá uma coleção de cerca de 300 fotografias de mais de 100 artistas, na exposição The original copy: photography of sculpture, 1839 to today (A cópia original: fotografia de escultura, de 1839 até hoje). Com curadoria de Roxana Marcoci, essa exibição oferece uma oportunidade para examinar as interseções entre fotografia e escultura. A exposição examina fotos cujo tema vão de objetos inanimados a corpos em atuação.

A natureza da fotografia desloca as 3 dimensões da escultura para as 2 dimensões impressas. O ponto de vista do observador é limitado ao escolhido pelo fotógrafo. O contexto do lugar pode ser removido ou enfatizado. Em suma, o fotógrafo oferece uma perspectiva diferente para nossa visão de obras de escultura.

Nas palavras de Walter Benjamin, em seu ensaio “A obra de arte na era de sua reprodução mecânica”,

evidentemente abre-se para a câmara uma natureza diferente da que se abre para o olho nu ―que seja porque um espaço inconscientemente penetrado é substituído por um espaço conscientemente explorado pelo homem. [...] Aqui a câmara intervém com os recursos de rebaixar ou elevar, suas interrupções e isolamentos, suas extensões e acelerações, suas ampliações e reduções. A câmara introduz-nos na óptica inconsciente assim como a psicanálise introduz-nos nos impulsos inconscientes.

Ao ver a obra fotográfica de uma escultura, pode ser interessante explorar essa experiência da “óptica inconsciente”. Sabemos sem nenhuma dúvida que estamos vendo uma imagem bidimensional, mas a substituímos por um “espaço inconscientemente penetrado”. Intuimos um espaço a partir de variados sinais visuais da fotografia, junto com informações externas do objeto. Em algumas imagens conseguimos com facilidade intercambiar essas duas maneiras de ver.

Um de meus exemplos favoritos de fotografia de escultura é Criação de pó (Dust breeding), de Man Ray, de 1920. Essa foto documenta A noiva despida pelos seus celibatários, mesmo (também conhecida como O grande vidro) depois que a obra acumulou pó durante um ano. May Ray usou uma exposição de 2 horas, o que ajudou a criar a rica textura da imagem. Junto com porções do padrão de O grande vidro, a textura do pó cria uma paisagem surreal, extraterrestre. A própria imagem é misteriosa, com muito poucos pontos de referência que capturem a atenção. Mesmo assim, a imagem é cativante em sua combinação de padrões geométricos criados pelo homem e rudes formas orgânicas de pó.

Esse ato de deixar a obra em andamento acumular pó poderia ser visto como um sutil ato de performance. Essa imagem serve como único documento desse ato. Embora não seja referenciada na imagem, podemos inferir com facilidade a disposição do estúdio de Duchamp. Essa foto marca uma fase decisiva no desenvolvimento da obra-prima de Duchamp. Depois de feita a foto, Duchamp limpou quase completamente O grande vidro, deixando uma seção dos cones coberta com pó, que ele fixou permanentemente à placa de vidro com uma argamassa diluída. Com essa informação, intuimos o espaço histórico no qual o objeto existe.

Esta exposição do MoMA oferece uma oportunidade fantástica para que exploremos novos métodos de ver a fotografia e a escultura. Essa experiência poderia servir como um lugar de onde investigar nossa maneira de perceber o mundo. A cópia original: fotografia de escultura, de 1839 até hoje estará no MoMA de 1.^o de agosto a 1.^o de novembro.

Veja também o slideshow da exposição no site do jornal The New York Times.

By Forrest Loder

Since its development in the early 1800’s photography has drastically changed the way that we view art. For example, practically all of us are familiar with Michelangelo’s David although only a few of us have had the opportunity to see the work in person. For the most part our impressions are based on our viewing of photographs. We have grown accustomed to viewing originals through reproductions.

Starting next Sunday (August 1) New York’s Museum of Modern Art will be showing a collection of nearly three hundred photographs from over one hundred artists entitled The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to Today. Curated by Roxana Marcoci this show offers an opportunity for examination of the intersections between photography and sculpture. The exhibition examines pictures that range in subject from inanimate objects to performing bodies.

The nature of photography shifts the three dimensions of sculpture into the two dimensions of the print. The viewer’s point of view is limited to the one chosen by the photographer. The context of place may be removed or emphasized. In short the photographer offers a different perspective on our viewing of sculptural works.

In the words of Walter Benjamin from his 1935 essay “The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction:”

Evidently a different nature opens itself to the camera than opens to the naked eye ― if only because an unconsciously penetrated space is substituted for a space consciously explored by man. […] Here the camera intervenes with the resources of its lowerings and liftings, its interruptions and isolations, its extensions and accelerations, its enlargements and reductions. The camera introduces us to unconscious optics as does psychoanalysis to unconscious impulses.

When viewing photographic work of sculpture it may be interesting to look into this experience of “unconscious optics.” We know full well that we are viewing a two dimensional image, but we substitute this with an “unconsciously penetrated space.” We intuit a space from the various visual cues of the photograph along with outside information of the subject. In some images we are able to easily switch back and forth between these two ways of viewing.

One of my personal favorite examples of the photography of sculpture is Man Ray’s Dust Breeding from 1920. This photograph is a documentation of Marcel Duchamp’s The Bride Stripped Bare By Her Bachelors, Even (also known as The Large Glass) after it had collected a year’s worth of dust. Man Ray used a two-hour-long exposure that aided in the creation of the image’s rich texture. Along with portions of patterning from The Large Glass the texture of the dust creates a surreal, extraterrestrial landscape. The image in itself is mysterious, with very little reference points to grab onto. Nonetheless the image is captivating in its combination of manmade geometric patterning and rough organic shapes of dust.

This act of leaving the work in progress to collect dust could be seen as a subtle performative act. This image serves as the sole documentation of this act. Although it’s not referenced in the image, we can easily infer the setting of Duchamp’s studio. This photograph marks a pivotal phase in the development of Duchamp’s masterpiece. After the photograph was taken, Duchamp wiped The Large Glass almost entirely clean, leaving a section of the cones covered with dust, which he permanently affixed to the glass plate with a diluted cement. With this information we intuit the historical space in which the subject exists.

This exhibit at MoMA offers a fantastic opportunity for us to look into new methods of viewing both photography and sculpture. This experience could serve as a place to investigate our manner of perceiving the world. The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to Today will be up from August 1st through November 1st.

See also a slideshow of the exhibition on The New York Times’ website.